Prueba de tintas

Guión para la realización del videarte beat

Storyline: Luego de que la sociedad se suma en el caos y quede cubierta de negro, un personaje surge queriendo liberarse de ese peso.

Sinopsis: 

Un personaje queda sepultado por por el peso opresivo y asfixiante de la sociedad, las guerras, los parámetros, las industrias, etc, que cubren todo como una masa negra. En medio del caos, el personaje se libera de esta material, resaltandose en medio de la multitud y expandiéndose.

 En un entorno deformado por los inventos del hombre, como los parámetros, las  guerras y las industrias, los ciudadanos van perdiendo indentidad. La sociedad agresiva va sepultando a quienes la conforman, sumiéndola en caos y por último en la nada. En medio de ello surge el impulso beat, que se libera de manera brusca, buscando definirse como individuo a través de distintos medios y buscando expresarse y liberarse ante la sociedad adversa.

Tiempo: Se sigue una secuencia lineal

Voz: Narrador omnisciente

Guión literario:

En la primera etapa del video se mostarán grupos de personas en un entorno urbano, usando clips de un banco de videos y grabaciones propias, y manipulándolos de manera que los rostros sean difícilmente reconocibles. Se intercalará con clips de signos de guerra, represión, encierro y violencia, que empiezan a mezclarse con los anteriores. A medida que se avance, irá distorcionándose más la imagen y empezarán a ser cubiertas con manchas negras hasta que todo quede oscurecido. Los sonidos, principalmente industriales, empiezan a ser más estridentes, alcanzando su cúspide cuando todo se oscurece y empezando a bajar el volúmen lentamente.

En medio de lo oscuro empieza a distinguirse la forma de un torso cubierto con una masa negra. Se hace un acercamiento a la cabeza y la persona empieza a quitarse la masa de la cara, con esfuerzo y connotando molestia y dolor. Empieza a murmurar de manera cada vez más sonora a medida que va siendo liberado. Mientras tanto se superponen imágenes y videos con símbolos beat, en sincronía y a tiempo de los murmuros. El individuo queda con el rostro más nítido, agrietado y pintado de blanco contrastando con el fondo negro.

Finalmente se vuelve al bombardeo de imágenes de la primera parte, pero superponiéndola con la imagen de la persona de rostro blanco, que, enojada, sigue emitiendo sonidos. Su imagen se multiplica y expande y su voz va haciendo eco y disonancias.

Referentes de Videoarte

Wolf Vostell - Sun in your head (Deformación de imagen, blanco y negro, exposición y alto contraste, efectos de estática)

Man Ray - L'Étoile de mer (blanco y negro, desenfoque vs. imagen definida)

Ron Rice- Chumlum (Superposicion de videos/imágenes)

Ken Jacobs - Window (tratamiento del entorno urbano, movimiento de las imágenes, contraste)

Gunter Brus - Self mutilation / Olivier de Sagazan - performance del 2008 (deformación del rostro)

Elaboración del Proyecto Videarte Beat

Propuesta:

 

La realización de un video de una duración de aproximadamente 3 minutos, con el objetivo de expresar una interpretación personal del sentimiento beat enfocado en la relación del individuo con la ciudad y su entorno y su búsqueda de libertad y expresión. Se hará uso de diferentes recursos, entre los que figuran grabaciones propias, manipulación y distorción de imagen y el uso de recursos del found footage.

Brief, parámetros y decisiones:

El proyecto estará dirgido a un público predispuesto a observar, sentir y pensar al respecto de las imágenes que se mostrarán, y que tengan algún interés por el videoarte, video experimental y/o por la cultura beat. Será dirigido y realizado por una sola persona, con la colaboración de un actor.

Se plantean tres etapas principales. La primera muestra la agresividad de una sociedad industrializada, bélica, depresiva y gris, sobre individuos sin identidad. Las imágenes se van oscureciendo y deformando, aumentando su ritmo hasta que todo se vuelve negro. Luego, entre la masa negra un individuo en particular se quita “lo negro”, el yugo de las convenciones sociales y la opresión, dejando su rostro claro a la vista y en tonos claros, mientras murmura enojado. Finalmente se regresa al bombardeo de la primera parte, pero suporponiéndola con el video de este nuevo individuo liberado, que hace frente al caos al no callarse y expandir su voz y su presencia. Se añaden signos de caminos, viajes y alejamiento. 

Investigación:

EL videoarte consiste en proyectos audiovisuales en los que priman el impacto visual y la carga subjetiva de la secuencua de imágenes, para generar sensaciones y/o reacciones en el público. Para ello se hace uso de estrategias creativas como la manipulación de imágenes, grabación de performances, superposición de videos, etc., con el fin de generar la sensación o impresión deseadas. No tienen una narración lineal o un mensaje claro, el video arte se define en la interpretación del espectador, la cual puede variar de acuerdo a su contexto y cultura.

 Concepto:

La insatisfacción y liberación de la generación beat de los moldes sociales frente a una sociedad abrumadora y opresiva, y su constante búsqueda de libertad.

La ciudad se lo tragó hasta que no le importó nunca más.
Carboncillo.

Plan de investigación para el Proyecto de Video Arte Beat.

Investigación temática:

¿Qué otras expresiones abordaron el tema beat?

Uno de los principales medios de expresión de la cultura beat fue la escritura, ya sea de prosa o poesía, de manera personal y espontánea. Se alentaba la producción y expresión, la liberación a través de las palabras y el lenguaje así como la transmisión de las ideas y del mundo interior. Con la escritura se expresaba el descontento con la desintegración de valores, el mundo capitalista y los esquemas sociales. Muchas veces los escritos estaban acompañados de performances y en su gran mayoría era recitados de forma particular y muy expresiva.

¿Cómo los videos beat incorporan este tratamiento temático?

Los videos tratan la temática beat con la manipulación de la imagen para volverla más sobrecogedora y expresiva. Las deformaciones, desenfoques, cortes, sobre y subexposiciones, son muy usadas para expresar disconformidad, deseo de libertad, inquietud, enclaustramiento, angustia y catarsis, entre otros. La interpretación, así como la creación, es libre, marcada más por la sensación que deja el video que por el razonamiento que se puede desprender a partir de él.

Investigación metodológica

¿Qué es el video arte?
El video arte es un movimientos que se creó por los años 60. Es una forma de arte en la que se utilizan imágenes en movimiento,  cintas de filmes ya creados y/o audio, para crear un nuevo producto.  A diferencia de los videos cinematográficos comunes, el video arte no se requiere de actores, puede no contener diálogo, ni trama, ni narración, su fin es expresivo y conceptual.

 ¿Qué intención comunicativa tiene y como pretende lograrla?
Su intención puede ser meramente mostrar las experimentaciones con diversas técnicas, o mostrar al público una vista diferente al cine convencional.  Los productos de videoarte no suelen tener un mensaje u objetivo definido, pero sí un concepto claro, abierto a distintas interpretaciones. En algunos casos, puede conllevar a despertar sensaciones, representar algún aspecto de la vida o del mundo, denunciar un aspecto de la sociedad o jugar con el material y formas. Todo esto se logra con el adecuado manejo de imágenes y sonido para lograr el efecto deseado.

 ¿Cuáles son sus estrategias y recursos?

El video arte requiere de recursos electrónicos para su grabación y edición. Las imágenes pueden ser fotografías tomadas por uno mismo o imágenes encontradas en los medios. Cualquier material visual y de audio puede ser aprovechado dependiendo del tema a tratar. Cualquier objeto, cualquier persona, tiene potencial como parte de un video arte. Lo importante es el significado que lo acompañe o que el realizador del video le infunda de acuerdo al contexto y al manipular la imagen. Entre las distintas estrategias que se usan encontramos el uso de metáforas visuales, la síntesis de imágenes, los encuadres, la repetición, la manipulación de la velocidad y todo tratamiento visual que se pueda dar a los fragmentos deseados (desenfoque, distorsión, etc.)

 ¿Cuál es su diferencia del video diseño? 

El video arte es una obra mucho más abierta y libre tanto en su creación como en su representación (aunque de igual forma debe prestarse atención a su construcción para trnasmitir lo que se desea), su alcance y su significado final depende mucho del espectador. En el video diseño, lo que se busca transmitir es un mensaje claro, en torno al cual gira la construcción y producción del video. El espectador se adentra sólo en los conceptos planeados originalmente y las diferencias de percepción entre espectadores es mucho menor. 

Investigación del marco comunicacional

El video será una combinación de filmaciones propias con fragmentos de found footage. El video que se realice estará dirigido a un público predispuesto a observar, sentir y pensar al respecto de las imágenes que se mostrarán, pues pueden resultar confusas. La razón del video es el representar la relación entre el individuo y la ciudad según el punto de vista de la cultura beat, presentandose atrapado y agredido por ella, para ser sepultado y luego empezar a liberarse por encima del caos, sin importarle la reacción del entorno sobre lo que él haga.

El agua en los videos de Bill Viola

Bill Viola es una figura clave en la introducción del video como forma vital de arte contemporáneo, conocido por sus instalaciones y exposiciones con videos, performances y sonidos ambientales. Sus obras envuelven al espectador en imagen y sonido, presentado obras que tratan experiencias humanas universales, como el nacimiento y la muerte, usando un lenguaje de símbolos subjetivos que se apoyan en el pensamiento y la memoria colectiva.
Uno de los elementos metafóricos en los videos de Viola es el agua. Esta tiene diferentes significados y connotaciones dependiendo del video. Suele ser la representación de un medio o mundo más allá del terrenal, ya sea después de la muerte o un mundo onírico, es la materia en la que se desarrolla lo subjetivo, en la que el ser humano se sumerge y la que surgen el pensamiento, la conciencia y los sueños, Algunos videos nos dirigen más hacia un plano de sueños y trance, mientras que otros hacia un plano espiritual, en los que se presentan nacimiento, muerte y resurrección, transiciones entre los planos terrenal y espiritual.
En otros videos se presenta de manera más violenta, poniéndo énfasis en su fuerza, pero también funciona como elemento de transición a un plano distinto, de sentimientos y de un despertar violento de la conciencia de quienes te rodean, es un elemento transformador. Es el ejemplo del video The Raft, en el que un grupo heterogéneo de personas indiferentes unas de otras es atacad por fuertes chorros de agua, convirtiéndose en una masa en la que no se distinguen unos de otros mientras pugnan por salir. Una vez se detienen los chorros, se acercan lentamente unos a otros, consolándose mientras recobran el aliento. Él agua los transformó.

La cultura beat en expansión (resumen)

La generación beat no se manifiesta sólo en la literatura, sino en muchas otras maifestaciones culturales y en su propio estilo de vida. Una muy significativa es El Aullido (The Howl) de Allen Ginsberg, un poema escrirto para ser expresado como performance en 1955. Su expresión es poderosa, abrumadora, que se expande dentro del lector y lo contagia del descontento y rabia del autor. Su gran carga expresiva y todos los elementos sociales de los que habla lo convierten en un manifiesto para la generación beat. . Las manifestaciones beat construyen un gran número de símbolos que impulsan a la creación de signos referentes a su discurso en interpretaciones audiovisuales y cinematográficas.

Son varias las ramas que recogen el impulso beat. Entre ellas tenemos el cine, que lo usa como temática, se influencia por él o lo explora y muestra. En el videoarte beat se muestran videos subjetivos, que transmiten a través de formas, colores, texturas, sonidos y distorciones, yuxtaponiendo y manipulando imágenes para generar sentido y sensación. 

El cine nos ayuda a comprender el fenómeno beat desde varias direcciones: la experimentación creativa, la introspección en busca de respuesta sobre quién es uno y cuál es su lugar en el mundo, la investigación de la cultura beat y adaptaciones cinematográficas de obras de esta generación.

También podemos decir que la cultura beat influenció en el teatro, happening y performances de los años 60, que cultivan la expresión espontánea, improvisación, y el juego con los límites. Tocan temas sociales y buscan romper las fronteras entre lo real y lo ficticio, el público y los actores, la vida y el arte. Muchas veces se elimina la trama y se usa mucho la intertextualidad. El performance y el happening hacen uso del cuerpo humano para significar la existencia de manera implicante y revelatoria, realizando representaciones simbólicas que apelan al imaginario del público. La violencia es un tema o un medio recurrente, que se lleva más allá al enfocarse como sacrificio de sí en el Accionismo Vienés. Los artistas de esta corriente abordan temas relacionados con los límites emocionales, catárticos y psicológicos del ser humano, exhibiendo la fragilidad de su cuerpo deformado y recargado de objetos con carga simbólica para expresar un sentido de lo incompleto y deficiente respecto a alguna referencia. Estas manifestaciones se relacionan con el beat en el desacato a las normas, la creación libre y manifestación agresiva. 

En cuanto a la fotografía, la mirada beat registra su entorno urbano de manera sensible, aludiendo al concepto de individuo perdido en el laberinto y sometido a agresiones, como pobreza y soledad. Fotógrafos como Robert Frank nos muestran retratos fragmentados, desenfocados a veces, que dan la sensación de vacío; por otra parte, Daido Moriyama explora la realidad de la post guerra, desprendiendo al individuo de su contexto; Larry Clark y Dennis Hopper se centran en el espacio privado de los individuos como extensiones de sí mismos y de su memoria. También encontramos fotografías conceptuales que construyen realidades simbólicas, con una propuesta de lectura abierta. Éstas, suelen usar intertextualidad, objetos simbólicos y hasta cadáveres humanos.

Y en cuanto a la ilustración, el comic underground tiene un lugar central, siendo Robert Crumb uno importante exponente, creador de comics, carátulas e historias llevadas al cine como Fritz The Cat. Influenció también de manera notoria en los carteles polacos para cine y teatro, con su gráfica impactante, y muchas veces agresiva e inquietante. El collage estuvo también presente en trabajos de artistas como John James, y acompañó al beat tanto en las imágenes en movimiento como en las fijas.

Propuesta de carátula II

Introducción a la cultura beat

En el siglo XX ocurrió un momento crítico de tensión entre el referente teórico del concepto de Modernidad, y el referente práctico. Esta se basa ideológicamente en la idea del progreso, implicando cambio, renovación y ruptura, como parte de esta dinámica. Sin embargo, ya en los 50, se dio la “tragedia de la cultura”, una crisis en las que se identificaba ideas del sujeto personal, religiosas, históricas, morales, éticas, conflictos urbanos, económicos y políticos, entre muchos otros. Mientras tanto, la cultura oficial seguía difundiendo el concepto de modernidad, que contrastaba violentamente con la realidad. Ante este fenómeno, los primeros en reaccionar fueron los grupos de contracultura, y es en este ambiente y contexto en el que surge la cultura beat.

La cultura beat, al ser una cultura alternativa, se opone a la oficial planteando la identidad individual como base para librarse de las imposiciones, ejerciendo su punto de vista personal, fomentando la libertad de pensar, expresarse y relacionarse. Esta relativa autonomía hace que desarrolle actitudes y estilos que permiten identificarla. La incomodidad y disconformidad  con los moldes impuestos por una sociedad técnica y esquematizada, que devoraba a quienes formaban parte de ella, fue expresada por Allan Ginsberg, en su poema Howl ( El Aullido), en los 50. El rechazo hacia el entorno y el poder del sistema en medio de una depresión asumida, perduran hasta ahora pues la voz beat se proyecta en el tiempo, encontrando a quienes comprenden su angustia y continúan su línea de pensamiento, encontrando en la creación una forma de oposición y protesta ante las constantes pérdidas.

El estado beat se origina como una reacción a circunstancias negativas. Es un estado en el que intervienen la introspección y la expresión auténtica y sincera, de forma inmediata, en el que se trata de ser uno mismo en cualquier condición. Esto se manifiesta en las obras creadas que, ya se trate de poemas, libros, videos o artes plásticas, tienen una fuerte carga emocional, mostrando un alto grado de introspección y poniendo en evidencia la agresión del mundo y el pesado yugo que pone sobre los individuos.

La sustancia del beat está en el insight. Ésta es la percepción y entendimiento con la que el sujeto capta e internaliza el mundo, y es la base de su conducta, la conciencia de sí mismo y su relación con los demás. En el caso de los beat, más que un manifiesto racional, el insight está captado por la música y los poemas que logran capturar las emociones que llenan y afligen, así como las actitudes ante ellas. Se puede conocer mejor el sentir y pensar beat al leer poemas, ver videos y obras visuales, que leyendo un documento, pues su esencia está en el plano emocional e impalpable.

Análisis de "L'arrivée"

¿En qué consiste el proyecto?

“L’arrivée” es un filme de corte experimental, en el que, por medio del found footage, el autor nos muestra una versión sintetizada de un suceso, contando una historia que cuenta con lo espectacular y lo íntimo del cine en sus breves dos minutos, haciendo también un acercamiento emocional además del narrativo.

¿Quién dirige el proyecto?

El proyecto es dirigido por Peter Tscherkassky, un director austriaco que trabaja exclusivamente con found footage y de manera tradicional en un cuarto oscuro, en lugar de usar métodos tecnológicos más recientes.

¿A quién está destinado?

Esta destinado a un público con interés en cine experimental y en el desarrollo del cine en sí, que puedan entender el homenaje a “La llegada del tren” de los hermanos Lumiére, y que estén dispuestos a observar, sentir y pensar al respecto de las imágenes que muestra, que pueden resultar confusas.

¿Cuál es la motivación del proyecto?

El filme tiene como premisa hacer un homenaje al proyecto pionero de los hermanos Lumiére, pero desde un punto de vista y un tratamiento personales, dándole un nuevo giro a la llegada de un tren.

¿Cuál es la finalidad del proyecto, que pretende obtener, cuáles serán sus efectos y beneficios?

La finalidad del proyecto es presentar una propuesta personal de la llegada de lo grande y nuevo, materializado en este caso en un tren. Podría tener diversas interpretaciones, la llegada de un cambio, de alguien importante, de un conflicto; pero que al fin y al cabo tiene un final feliz. Además de presentar la situación, los efectos que usa recrean los que se siente con la llegada de cosas nuevas. Primero están la expectativa e intriga. Al ver los fragmentos de los fotogramas sabemos que algo se aproxima, pero no sabemos qué.  Aparecen las personas esperando, que se junta y se empujan; viene algo grande, y más de uno lo espera. Luego aparece, el tren, acercándose mientras lo esperamos, ya preparados, hasta que la imagen se mueve, se invierte y colisiona con otra, desatando el caos, fragmentos y transparencias se sobreponen unos con otros moviéndose de manera agitada; una situación que se sale de control en la que nos sentimos perdidos, desesperados en encontrar sentido y que pareciera que no terminara. Hasta que por fin todo se aclara, y somos capaces de ver que la llegada de este tren ha traído a alguien amado, con quien alguien se une en un beso; el momento en el que se encuentra la luz en medio del caos. Si bien no es seguro que esta haya sido la intención explícita del autor, estos son algunos de los efectos que produce, pues está abierto a distintas interpretaciones por su carácter experimental. Otras ideas pueden desprenderse de este proyecto gracias a los recursos y efectos usados, pero lo innegable es la intriga, seguida de la sensación de caos, y rematada con un momento de alivio y alegría en el abrazo y beso del encuentro del final.

¿Cuáles son sus productos y cuales son los medios que necesitaba para su realización?

Este found footage uso maetrial de Mayerling, del director Terence Young (1968), sin limitarse a utilizar sólo las escenas filmadas, sino aprovechando también la cinta en sí.

Ni sombra,

Ni nombre,

Mi carencia.

Todo se reduce

A un sol muerto.

Todo el mundo

Y la soledad

Como dos animales muertos

Tendidos en el desierto.

Alejandra Pizarnik

Propuesta de carátula

Concierto de Navidad. Arcangelo Corelli.